王春乐 写生在水墨人物画的创作中的关键作用访问学者教学文献

书画纵横 / 2014-06-30 17:52
绘画创作需要一定的写生积累,这就要画家深入生活环境和自然环境,寻找和收集素材,找到能触动自己的、自己最想要达到的感情,并通过画面传达给观者,好的作品绝不是空想出...

绘画创作需要一定的写生积累,这就要画家深入生活环境和自然环境,寻找和收集素材,找到能触动自己的、自己最想要达到的感情,并通过画面传达给观者,好的作品绝不是空想出来的。

绘画创作是以生活体验为基础的,是对现实与社会生活的某种反映,是将对生活的感受提炼为艺术意象,并在作品中得到物化。因此,写生成为绘画创作的基础,因为写生的最大特点就是它的直观性,是对客观对象鲜活的、生动的描绘,它的表现方式往往率真而直接。写生的这些特点使它对绘画创作发挥了重要作用。

一、写生是水墨人物画学习的重要手段

中国水墨人物画的发展,自上世纪初,已开始与西方的造型观念相融合,东西方艺术思想的交流,促进了中国水墨人物创作的时代性发展,丰富了人物画作品的语境表现意识和精神内涵。

中国画写意人物画教学的院校体系,起源于中央美院的蒋(蒋兆和)徐(徐悲鸿)体系的建立,后经几代人的努力推进,中国画水墨人物专业的教学与创作形成较完善的院体模式。然而,随着时代的发展与艺术思潮的蓬勃推进,中国水墨人物画的发展,始终在西方造型观念与本土传统水墨语境及造型审美意趣中相互纠葛,受西方现代艺术表象观念和中国当代艺术的思潮影响,纯粹而鲜明的民族绘画荒芜,传统水墨品质的民族性不断缺失。进入20世纪90年代,传统的写意人物画的教学,在西方素描造型中的光影关系与中国绘画线性造型中确立的主观表现,逐渐转换至水墨人物画的大语境中,当代水墨人物画较之传统写意人物画创作之形式,在于当代水墨人物画的语境,明确水墨人物画的当下属性,具足了中国本土水墨语言的时代性与扩张性,在继承与发展中,更具表现张力和时代气息。当代水墨人物画,不仅仅是延续传统文人画的笔墨精神及逸趣的释怀,而是更深刻、更强烈地发挥了笔墨的可能性,拓宽了水墨语言的表现形式。中国当代水墨人物画的一条根,扎入了时代多元文化的土壤,另一条根深植在传统的民族语境中,开始呈现出民族文化精神的所指与内涵,逐渐在写生与创作中形成了它的表现特征。

1.写生是绘画上的存在哲学

五代画家滕昌佑说:“工画而无师,唯写生物。”强调了写生的重要性。唐朝画家张也说过:“外师造化,中得心源。”这8个字概括了客观现象—艺术意象—艺术形象的全过程。写生是画家用画笔和心灵探求生命本源的有效方式,以达到用心接物,物我相融的大境界。任何伟大的画作都离不开写生的滋养,这种现实主义的创作态度是最震撼人心的力量。石涛深入到生活中,在名山大川中感悟艺术的真谛,他提出绘画“脱胎于山川”,并要“搜尽奇峰打草稿”。荆浩隐居在太行山中,每天都沉醉在对自然山水的写生中,得出“写松凡数万株,搜妙创真”的心得。唐玄宗问画家陈闳,为什么和他师傅所画的马不同?陈闳回答说:“臣自有师,陛下内厩之马皆臣师也。”他每日深入马厩,将自己描绘的对象—马匹作为“老师”,在细微的观察中不断提高自己画马的技艺,最终形成自己的艺术风格并得到广泛认可。米芾的“米点山水”也是他在江南水乡生活,长期观察自然、大胆创新的结果,这种独一无二的山水风格,让他在绘画史上留下令后人叹服的一笔。前人的这些创作方法,对当代的绘画创作者来说仍具有现实意义。留在世界画坛上许多有影响的画都是写生,最著名的莫过于梵高、莫奈。生命纯度高的写生,是画家创作动能的真正源泉。

2.写生是一切造型艺术的基础

现代美术教学与绘画创作格外强调写生的重要作用。徐悲鸿认为:写生是一切造型艺术的基础,艺术家如不在写生这一重要环节上打下坚强的基础,必然造成自身能力的先天不足而乞灵于抄袭模仿。所以,以写生作为锻炼人物造型能力的手段,其积极意义不言而喻。但是,如果在写生中只把写实能力作为训练造型能力的基础,其思维意识与审美判断也会仅仅以再现模特本身的客观形象作为标准,反映在作品中,就是把中国画的水墨材料与西画的光影素描简单相加,形成所谓中西合璧式的“水墨素描”。水墨人物的造型观念应当体现出画家对中国画造型的特征、笔墨的内涵、以及对传统的视觉审美习惯的理解。只有以这种态度统领水墨人物画的写生,观察与表现上才不至于过分依赖客观物象,造型才能真正获得一定的独立性而具有笔墨趣味。当然,艺术观念既不是凭空的想象,也不是建立在所谓的游戏态度上,它是服从于对主体、对客体审美感受的一种心理暗示或心理真实。从这一角度来理解,写生的价值内涵是心理上对现实对象的重新解释,是作画者借反映“客观现实”之名,行表现“主观现实”之实。

有人以为水墨人物画只是简练的几笔,其实它对造型能力的要求是相当高的。真是笔笔都要有“形”,非常有讲究。一笔下去既要反映出对象的结构特点,也要反映出笔墨的转折变化,从而更好地表现对象。如果没有扎实的造型能力是不可能做到的。往往是造型能力越强,越能深入细致地表现对象,就越有把握用笔墨去概括和提炼。要把我们所要表现的对象画得很象,还要反映出对象的神态特征,就必须倾注自己的思想感情,没有坚实的基本功,熟练的造型能力就谈不上得心应手,就无从“形神兼备”。

3、注重在生活中的写生

任何艺术都是源于生活,脱离了生活进行创作,这种艺术就像无根的树叶一样没有生命力,只有在客观现实和自然界中敏锐的发现和记录,才能创作出生机勃勃的作品来。因为生活和自然中蕴藏着无穷无尽的艺术源泉,画家一定要通过深入观察和写生实践,才能逐步找到生活和自己创作的契合点。生活中的不同元素,带给我们的是全新的视觉接触,从对象的生活气息中感受其原始状态,典雅与朴素,粗犷与细腻,委婉与优美,苦痛与欢乐,再现真实感受。生活永远是生活,仅仅是一个元素、一个媒介而已,它需要通过造型、语言、情感、意趣、结构,转换到纸上,生成画面图示,写生便改变了客观对象的属性和原有的固态价值,赋于其精神、赋以其趣味。写生能够更直接地反映绘画本身的艺术状态,捕捉一种感受,积累一种经验。主观与客观的认知,成为一种明确的梳理,形成意向表现中自觉审美的语言延伸。

任惠中先生是注重生活写生的典范,他教育学生说:“只要你头脑中不放弃自己的想法,怀有一腔真诚,不认为自己已功成名就,不怀有投机心理,踏实的做学问,有求知的心态,探索的勇气,勤快的双脚,愿意深入到生活中去写生,即使我们已取得了一定的成绩,也要有居安思危的思想,把自己摆在合适的位置,把生活放在应当的位置。聚合于此,你就会把去生活中的偶尔写生变为经常写生。不下去,空落落的,形成写生与创作之间的常态,成为良好的习惯,那么水墨人物写生一定会不断往前推进。社会的发展,人们思想的深化带来人们外在的生活变化和精神内在的丰富,观念的更迭和思路的拓广,带来水墨表现手法的多样性。这些都离不开生活,生活的多彩与丰富,对生活的感悟会不断产生新内容。这种良性的下乡写生,深入基层,体验生活,体味生活并以水墨人物写生方式来触摸生活,对画家来说是大有益处的。”他每年至少带学生到生活中进行三五次的写生,并以自己每年二三百张的水墨人物写生作品向我们佐证了写生对学习水墨人物画的重要。

二、写生是水墨人物画创作之必然

我们学习绘画的目的不是仅仅会临摹别人的画而是拥有属于自己风格的作品,因此我们不仅要明确自己的目的而且更重要的是要找到正确的方法。英国美学家贡布里希在《论艺术在线》一文中说:“一切艺术都源出人类的心灵,出自我们对世界的反应??绘画是一种积极的行为,所以艺术家大底是看到他所画的东西,而不是画出他所看到的东西。”创作需要画家深入实地、体验生活、感悟事物以及收集创作素材,然后将创作构想通过深入思考、反复推敲以及各种手段的加工,才能成为一件艺术创作作品。创作不受客观所限,更多地偏重于借物抒情,融入主观思想和意境的追求。虽然说创作来源于生活感受,但更加注重对写生所得作品的提炼加工和思考,力求使其高于生活而成为一种艺术审美的“典型”。正因如此,相对于写生而言,创作中所采取的表现方式和技法语言,则更为精深、强烈,更有艺术表现的典型性和创意性,能够赋予作品更多的精神内涵。

1.写生为创作做好了技巧上的准备

没有哪个画家一开始就进行创作的,都是经过了严格、系统的基础训练之后,才有能力进行绘画创作。写生就是基础训练最为重要的部分,通过写生,画家不但习得了表现对象的绘画语言系统,而且提高了表现对象的能力,这种造型能力的获得为他解决创作中遇到的难题提供了技术支持。阿恩海姆曾说过艺术家的优越性在于:“他不仅能够得到丰富的经验,而且有能力通过某种特定的媒介去捕捉和体现这些经验和本质的意义,从而把他们变成一种可触知的东西。”这种能力就是我们常说的“技巧”,但是技巧的提高首先是建立在对对象的直观感受的基础上的,然后把这种活生生的感受加以深化、提炼、最后内化为画家的艺术感知能力和造型能力,由此可见,写生的训练对于画家造型能力的提高有着优先地位。写生可以培养画家独特的感受力,这是提高造型能力的基本前提,也是创作的基本前提;写生最为直接地锻炼画家的技巧,这是提高造型能力的关键;写生可以积累审美经验、丰富艺术表现力这是提高造型能力的重要因素。

2、写生为创作积累了大量素材

绘画创作的根本源泉是真实的生,只有通过对真实生活的切实体验和感知,绘画创作才能具有感染力。写生活动最重要的特点就是它与生活、与对象之间的直接性,使它能够积累大量原始的、丰富的素材,为创作提供了启发和内容的源泉。写生即以为画家提供了获取生活真谛的胚芽,继续在感兴趣的地方生活下去,使那些艺术胚芽发育、生长、充实、完美,在生活的第一线开花结果,不亦善哉。

3.写生为创作问题的解决提供了启发

创作的构思以及具体实践中会遇到大量难以想象的难题,比如构图、形式与内容的协调、表现、造型等等,这些问题直接关系到创作的成败,向优秀作品借鉴是一条重要途径,但通过写生来解决这个问题就更具针对性和直接性。不针对创作的写生常常流于肤浅和漫无目的,在写生活动中应该以创作试图表现的主体或创作中遇到的难题为核心,有目的地去解决这些问题。同时,这种“问题意识”深化了对写生的理解。比如不能确定创作主题是,可以通过写生深入观察生活,画家总是能在常人所不在意的普通的事物中发现生活与自然的内涵,寻找与生命的契合点作出对生活、自然和生命的独特思考。

目前绘画创作中却在着这样的一种现象:人物画创作依靠着模特和照照片,或者是在网上找一些图片素材,然后依靠着现代打印复印的方便对照片进行处理并加之扩印,这几道简单的程序便完成了一幅画的创作与造型的初步工作。而这种现象好像很普遍而且也在慢慢的扩大。这种简单机械“创作”出来的作品与亲历生活实践所创作出来的作品相比写实造型有余但缺少神韵,更严重的阻碍和限制了对水墨人物及中国画文化精神的学习,另一方面长此以往将严重阻碍中国画的发展。因此我们有必要重新学习和认识水墨人物画及其创作,而摆在我们面前的问题是我们必须寻求一种合理的方

式—既对水墨人物的发展有益又不失中国特有的水墨文化。我想任惠中先生倡导并付诸于实践的坚持以水墨写生带动人物画创作的方式是非常符合这些要求的,因为无论是在文化上还是创作上都符合我们的审美趣味。

三、水墨人物画写生的问题

1.在写生中要不断“发现”

任惠中先生在谈到写生时说:要学会“发现”,“发现”能使我们由对人物的一般性对形的认识,产生出笔墨构架中的水墨人物造型,生成不一般的表现性笔墨关系;“发现”能使我们把司空见惯的内容,习以为常的现象和容易忽视的东西,变为具有表现力的媒介,使能映入眼睑的一切因素都成为笔墨可利用的元素;“发现”能化腐朽为神奇。生活中的人物陌生感,不是无知的陌生,是了解了人物结构等状况下,对人物身份、衣着、形态、神态乃至内心精神世界的再认识、再品读、再审视的一个笔墨形化过程。笔墨表现技法上容中国山水、花鸟、人物技法之优势,唯我所用,不为形所限,不唯形所役,可利用的大可去张显笔墨,尽情自由的畅意水墨。在人物形象的刻画上,不仅仅是深入、更追求的是一种精微中的写意精神。反复叠压的笔墨而不失灵动,浓墨的墨气中通透而沉厚。放松自由而不失造型,深入凸现而精细入微。在自由而奔放的笔痕墨迹中,随意而不随便。一切笔墨语言,言之有情,言之有理,言之有物,言之有味,言之有趣,但不能言过其实。

2.要训练“准确到位”的驾驭笔墨的能力

水墨人物画写生尽管是线条、笔墨的一种表现,但它所表现的乃是具体的人,和由人物产生的一切具体现象,人物的笔墨表达要有内容,要准确到位。准确,首先是和谐的,它不是物理的准,是经过提炼概括的“准确”。到位,某种意义上讲更重要,有些部位是需要画到位。那些部位需要概括。画到位不是交待清楚所有的内容,是笔墨表现性的清楚,在头发衣服等富有表现性的部位,最能体现出来。“准确、到位”的体现,有些是笔到意到,有些是笔不到意也到,笔与笔的走动之间,墨韵的无界中,飞白划痕之迹都会产生很多联想般的思绪,都是些无意之意,有意之意所为。不可无事生非的故弄玄虚,也不要笔笔都要有所说法的小心拘谨,放不开手脚。有些是笔有所言,墨有所物,但很多在画的过程中,并不是都是这样,很多线条,很多笔痕墨迹是一种需要的皴染或状势画面,画面需要就有其道理,就有其作用,也就有内容了。

3.“用一根线条去散步”把“描”变为“写”

艺术巨匠罗丹说:“一条规定的线贯通着大宇宙,赋予了一切被创造物,如果他们在这里面运行着,而自觉着自由自在,那是不会产生任何丑陋的东西的。”线不仅是艺术生命力的体现,而且也是艺术巅峰的支点和骨架。不管是传统水墨人物还是现代水墨人物,线都是其绘画的重要组成部分,就像人如果没有了骨骼的支撑就不是一个完整的人。在水墨人物画中线条是其主要的表现手段,同样线条的粗细、轻重、虚实、疏密的变化都向人们传达着作品的情感、节奏、韵律等等,都是画家思念、意念、情感的表达与传递,线条依附结构而富有节奏的穿插所表现出来的人物形象更使人物作品楚楚动人。

“用一根线条去散步”这是德国伟大的艺术家保罗?克莱一次用来表达线条的一句话。以线为主的表现手段是以突出人物的结构组合关系。也就是说在造型上强调人物结构关系,但并非对非结构的其他因素采取排斥态度,否定明暗特点,而是削弱自然光对物象的直接影响,着重研究人物结构中各个部分互相之间的组合原理和内在运动规律,并将其体现于不同透视角度的变化之中。它强调对人物的理解、强调对人体结构的了解、强调以线为主要表现手段的结构素描方法的明显特征。它不同于明暗造型突出对物象光影暗的描写,表现强调出人物由光照所产生的明暗强弱、虚实变化,以光为明暗造型的依据。水墨人物写生中笔墨造型的目的是把素描因素转化为笔墨的形式,把描的东西转化为写的东西,笔墨依据于素描,但又不局限于素描。在

笔墨造型的过程中,点划、线条、墨块的运用,更能抓住我们所描绘对象的神态和特征,也就是抓住人物的“神”。

4.在写生中倾注对生活的关注

著名人物画家任惠中先生说“外国大师在临终时都在速写、素描,然后都再继续画,难道他们只是在练习吗?难道只是我们过去学画的概念中的基础训练、基本功训练吗?错了,他是感受生活,感悟生活。我们在塑造人物画过程中,从这一形象提炼出更精道的笔墨,从一个人的精神状态,一个人早上到晚上的精神状态不一样,我们在不断画的过程中能窥测出这个人的精神状态,那是一种发现。然后你用笔墨去表现,窥测这样的,你就会有新的天地”。

写生要注重表现生活的气息、情绪、状态以及身临其境的现场感。一个地域的文明与落后及精神状态的呈现,是靠人的外在形象与内在品质所表露的。山水所表现的是一个地域的自然形态,而人物却是这一形态文化与精神的延伸,是自然融合的情结。生活的生息之气是自然的,没有任何人为的策划与安排,从人的衣着到生活物件的摆放,都是围绕生活之需而自然搁置、自然随意、以人为本的核心观念。真实朴素呈现有序的审美组合,自然的组合客观的形成了一定的艺术性。所以,杜尚说:生活即艺术。但生活永远自己不能变成艺术。艺术是艺术家通过对生活元素提炼取舍,并赋予其精神内涵的自觉的文化状态,生活总是一些在不经意中所体会到的平淡感知,有时情结越平凡,感知会越深刻,生活使平凡变得具有诗意性的审美取向,绘画创作本身便是通过视觉形式来表现平凡,释怀平凡与朴素的瞬间。正如一位哲人所说:美不是创造出来的,而是发现的。你的发现与众不同,你的呈现便充满个性。中国水墨人物画的创作,便是根植在这种平淡岁月中,用一个民族独特的文化精神指向,不断地探索与发现,形成了水墨人物画的时代语境与精神内涵。

写生与创作是不可分割的一个整体,其二者之间的“同”远远多于“异”,因为绘画过程中主观因素的存在即代表了创作因素的存在。艺术表现平凡、记述平凡,并非所有的艺术创作都要表现宏大的史诗,而是自我心性与自然的倾述与诗境的释怀。写生是对生活的最好关注,写生是艺术由生活而创作的必然之所在,是形式语言精神的外延,是朴素的手绘之美。角度的改变会使观察呈现异样,深入的观察使简单的东西有了内容,认真的分析会使我们进入到一个新的领域,并会暗合你很多的艺术表现手法乃至艺术风格。

王春乐

王春乐 家 200×124cm/2013年

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